Arte y autonomía

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Si algo caracteriza al arte moderno es su autonomía. Durante siglos, el arte permaneció al servicio de las oligarquías, civiles o religiosas, generando el aparato simbólico que legitimaba culturalmente su situación de privilegio. Las revoluciones burguesas liberaron la creación artística de sus tradicionales comitentes y sus obligaciones funcionales. La estética cifró el valor del arte precisamente en su inutilidad, capaz de contrabalancear no solo la racionalidad de los fines sino la norma burguesa del (buen) gusto. Este paradigma estético se mantuvo vigente al menos hasta mediados de los años 60 del pasado siglo, momento en que la posmodernidad puso en evidencia las connivencias de esta autonomía estética con el reparto burgués de las sensibilidades, que mantenía la supuesta radicalidad artística separada de la esfera pública en la que podía resultar realmente inquietante. El arte apostó entonces por recuperar su perdida heteronomía y poner sus energías al servicio de la transformación efectiva del mundo de la vida. Pero este bienintencionado proyecto de recuperar el sentido histórico del arte nos hace pensar -en una época en la que el capitalismo de la experiencia y sus industrias cognitivas han invadido no solo la dimensión productiva de la vida sino también la reproductiva- en la necesidad de volver a reivindicar determinados modos de autonomía.

 

Programa:

Viernes 17 de marzo, 15.30 – 17.30 h.  [BB.AA. 1.04]

Una introducción al proyecto de autonomía modal de Jordi Claramonte. Ramón Salas (ULL).

Sábado 18 de marzo [Las suertes. C/ San Antonio, 11, Icod]

12.00 h. Arte y autonomía en la era del capitalismo invasivo.

Presenta, introduce y modera: Elsa Mateu (ULL).
Participan: Jordi Claramonte, Ramón Salas, Manolo Cruz (ULL), Adrián Alemán (ULL).

14.00 h. Paella relacional. Manolo Cruz.

Lunes 20 de marzo, 15.30 – 17.30 h.  [BB.AA. 1.04]

Estética modal. Jordi Claramonte (UNED).

Jordi Claramonte Arrufat, tras licenciarse en Filosofía en la UNED, ha estado investigando en varias universidades españolas (Valencia, Complutense y Autónoma) y trabajando e investigando en instituciones como el MIT, la universidad de Yale o la NYU de Nueva York.
Doctorado por la UNED con una tesis sobre el concepto de autonomía, ha combinado su trabajo como investigador en el área de la Estética y la Teoría de las Artes con frecuentes incursiones en el terreno del arte más contextualizado en términos sociales y políticos, dinamizando iniciativas míticas como La Fiambrera Obrera, SCCPP.org (sabotaje contra el capital pasándoselo pipa) o el Centro Social Autogestionado La Tabacalera de Madrid.
Ha coeditado Modos de Hacer: Arte político, esfera pública y acción directa (Universidad de Salamanca, 2001), o Ciberactivismo (Virus, 2005); y traducido y editado textos fundamentales como Estética Relacional de Michel Bourriaud (Paidós, 2006), El asalto a la cultura (Virus, 2002) y el Manual de la Guerrilla de la comunicación (Virus, 2000), ambos de Stewart Home o Arte como experiencia de John Dewey (Paidós, 2008).
En el 2009 publicó en el CENDEAC Lo que puede un cuerpo. Ensayos de estética modal, pornografía y militarismo; en 2010, en Nerea, Arte de Contexto, un ensayo crítico sobre las prácticas de arte político. También en 2010 y en el Cendeac, La República de los Fines, libro donde da un repaso a fondo a la noción de autonomía, desde la Ilustración hasta nuestros días. En 2015 publicó en Papel de Fumar Desacoplados; y en 2016, en Tecnos, Estética Modal, el libro que justifica este seminario.

Taller de introducción al dibujo vectorial

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No solo para ilustradores, también para artistas, los programas de dibujo vectorial se han convertido en herramientas fundamentales para la creación y la difusión de su trabajo. Adobe Illustrator es un programa de sencillo manejo que ofrece sin embargo múltiples utilidades, no solo a la hora de crear nuevas imágenes sino para alterar las ya existentes, lo que le convierte en un instrumento indispensable para las prácticas de Culture Jamming.

En este taller se aprenderán los fundamentos del dibujo vectorial. Está dirigido a cualquier interesado en la creación y manipulación de elementos gráficos, preferentemente artistas, alumnos y profesores de Bellas Artes.

15, 16 y 22 de diciembre de 2016, de 15.30 a 18.30 h.
Aula 0.07, sección de Bellas Artes, ULL

Número máximo de asistentes: 15
Inscripción: rsalas@ull.es

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Proyecta i+d+a’16 (con Pablo Helguera)

Proyecta

Proyecta i+d+a es una versión de Proyecta.Arte que trata de atemperar la dimensión “promocional” del proyecto. Con la misma mecánica de las ediciones habituales (intervenciones cortas –entorno a los 5 minutos- en las que se muestra de manera también ágil y consecutiva el trabajo en curso) se expuso en esta ocasión no la propia obra sino un proyecto ligado a la investigación (i) y el desarrollo (d) de actividades artísticas (a) (o culturales). La idea no es tanto participar -en el sentido de dar a ver y conocer- como invitar a participar, exponer una idea a la comunidad en busca de colaboración o apoyo. No se trataba de exponer ideas perfectamente acabadas sino de participar inquietudes o intereses que pudieran ayudarnos al plantear el reto que, me parece, nos queda por abordar colectivamente: el desarrollo del concepto de la investigación artística.
Las intervenciones en esta edición 2016 de Proyecta i+d+a, que contó con la participación de Pablo Helguera (el que fuera director de programas públicos del Departamento de Educación del Guggenheim de Nueva York) -una vez más gracias a la generosidad de Roc Laseca y su proyecto Denkbilder con la ULL- estuvieron a cargo de: Néstor Delgado, Peñate y Valencia, Solar y Javier Cuevas y Leal.Lav. También participaron en el posterior debate, Lecuona y Hernández, Simone Marín, Esteban Amador, Alejandro Castañeda, V. Navarro o Magui Suárez entre otras.

Taller de edición digital

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Tanto para artistas como para académicos, las herramientas de difusión de los resultados de la investigación son cada día más necesarias y, al mismo tiempo, más exigentes, más competitivas. Afortunadamente, la red y las herramientas digitales brindan un mundo de posibilidades autogestionadas para abordar la labor de difusión editorial de nuestros trabajos. En este taller se aprenderán los fundamento de la maquetación y edición digital de publicaciones artísticas y científicas.

Está dirigido a cualquier interesado en la difusión digital de los resultados de su trabajo o investigación mediante publicaciones digitales, especialmente artistas, alumnos y profesores universitarios.

22, 23 y 27 de junio, de 11.00 a 13.00 h.
Aula 0.07, sección de Bellas Artes, ULL

Número máximo de asistentes: 15
Inscripción: rsalas@ull.es

Contenidos:

Introducción a los programas de maquetación digital. Protocolos básicos y entornos de trabajo.
Búsqueda de modelos y fuentes.
Creación de documentos, paginado y reticulación. Principios básicos del diseño.
Colocación y formato de texto.
Colocación y formato de imagen.
Multimedia y enlaces.
Interacciones entre imagen y texto. Cajas y objetos.
Retoque fotográfico y lotes.
Perfiles, empaquetado y formatos de salida.
Licencias y gestores de contenido.

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Taller de metodologías para la investigación artística.

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10 h. (1 ECTS)

El arte, al menos el arte académico, es decir, el arte que concita el interés de la teoría, ha alcanzado niveles de complejidad que hacen difícil su determinación. Cualquier cosa o acontecimiento puede hoy ser considerado arte con la única condición de que efectivamente sea considerado arte. De ahí que la vieja inquietud ontológica por saber “qué es arte” haya derivado hacia la duda más pragmática sobre “¿cuándo es arte?”, es decir, qué hace el arte para justificar que algo que no es esencialmente diferente a cualquier otra cosa adquiera, en determinadas circunstancias, la condición de artístico.
¿En qué medida determinan la condición de “artístico” las circunstancias concretas que plantea la universidad (especialmente en su fase doctoral)?, ¿determinarían esas circunstancias una condición universitaria del arte?
La poca disposición a definir el arte es proporcional a la poca disposición del arte a dejarse definir pero, al menos en el ámbito académico, parece necesario realizar un esfuerzo por tratar de entender qué características debería tener el tipo de trabajo (de investigación) que se plantea desde la práctica artística o, al menos, desde ese tipo de prácticas a las que, en el ámbito de la enseñanza artística, estamos dispuestos a otorgarles la consideración de artísticas.

Aula 1.04, sección de Bellas Artes, ULL
Número máximo de asistentes: 15
Inscripción: rsalas@ull.es

Lunes 20 de junio 15.30 – 18.00 h.
Ramón Salas. Cartografías I.

(propondremos un mapa general del contexto de posibilidad en el que consideramos que cabe hoy plantear un trabajo de investigación artística).

Martes 21 de junio 15.30 – 18.00 h.
Ramón Salas. Cartografías II.

(continuaremos el trabajo planteado y daremos un breve repaso por las revistas de arte mejor indexadas.

Miércoles 22 de junio 15.30 – 18.00 h.
Adrián Alemán. Marcos.

(propondremos y ejemplificaremos modos concretos de encajar la investigación artística en marcos conceptuales y metodológicos).

Jueves 23 de junio. 15.30 – 18.00 h.
José Díaz Cuyás. Modelos.

(propondremos y ejemplificaremos modos de dar académicamente forma de tesis a nuestra investigación artística)

Metodología: hora y media de docencia frontal (15.30 – 17.00 h.) seguida de un seminario en el que se discutirán los contenidos previamente expuestos.
Mecánica de evaluación: control de asistencia y evaluación continua de la participación activa en los seminarios. Se demandará del alumnado la discusión razonada de los paradigmas propuestos desde sus propios presupuestos teóricos.

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Una (propuesta de) cartografía del sentido (de las prácticas artísticas).

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Se suele pensar el arte en términos absolutos (un buen cuadro, un artista genial… en todos los tiempos, para todas las culturas). Pero en arte todo es relativo (lo cual, por cierto, no tiene nada que ver con el célebre “para gustos se hicieron los colores”), básicamente porque el arte no es más que un sistema de referencias. El significado de las obras tiene tanto que ver con su contenido como con la posición relativa que ocupan respecto a otras formas posibles de enfocar y encarar la práctica artística. Es imposible hacer arte sin definir una ubicación significativa respecto a este sistema de referencias, y, en consecuencia, entender el arte actual exige conocer tanto sus planteamientos y objetivos como aquellos otros que trata de superar o matizar.

Resulta imposible analizar en seis horas el conjunto de los referentes que definen el espacio de posibilidad de la creación artística actual, pero sí podemos dibujar a grandes rasgos la cartografía general en la que estos se ponen en relación. Luego corresponderá a cada quién definir las rutas posibles, a escala 1:1, pero sí creo posible proponer un esquema a gran escala que nos permita anticipar el sentido de esas derivas. O, al menos, merece la pena intentarlo.

En este seminario, y en torno a la dialéctica clásica entre el modernismo y la postmodernidad, trataremos de definir los grandes modos de encarar el hecho artístico –eso que hoy llamamos regímenes escópicos-, desde la ontología premoderna a la biopolítica visual pasando por los grandes hitos que jalonan el territorio intermedio: el modernismo según Greenberg, el modernismo según Baudelaire y su reinterpretación benjaminiana, la crisis postmoderna de la institución arte, la cultura del espectáculo, el paso de Duchamp ‘a la clandestinidad’, Broodthaers y las criticas institucionales…

Centro de Arte La Regenta, Las Palmas de Gran Canaria.

Martes 14 de junio. De 17.00 a 20.00 h.
La zona centro.
La dialéctica modernismo – posmodernidad: de la autonomía del arte al arte contextual.

Miércoles 15 de junio. De 17.00 a 20.00 h.
La periferia.
Más allá del planteamiento bipolar: del arte como síntoma al arte como proposición.

Taller de introducción a la edición digital

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Tanto para artistas como para académicos, las herramientas de difusión de los resultados de la investigación son cada día más necesarias y, al mismo tiempo, más exigentes, más competitivas. Afortunadamente, la red y las herramientas digitales brindan un mundo de posibilidades autogestionadas para abordar la labor de difusión editorial de nuestros trabajos. En este taller se aprenderán los fundamento de la maquetación y edición digital de publicaciones artísticas y científicas.

Está dirigido a cualquier interesado en la difusión digital de los resultados de su trabajo o investigación mediante publicaciones digitales, especialmente artistas, alumnos y profesores universitarios.

23, 24 y 27 de junio, de 11.00 a 13.00 h.
Aula 0.07, sección de Bellas Artes, ULL

Número máximo de asistentes: 15
Inscripción: rsalas@ull.es

Contenidos:

Introducción a los programas de maquetación digital. Protocolos básicos y entornos de trabajo.
Búsqueda de modelos y fuentes.
Creación de documentos, paginado y reticulación. Principios básicos del diseño.
Colocación y formato de texto.
Colocación y formato de imagen.
Multimedia y enlaces.
Interacciones entre imagen y texto. Cajas y objetos.
Retoque fotográfico y lotes.
Perfiles, empaquetado y formatos de salida.
Licencias y gestores de contenido.
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nace desubicada

Desubicada

Estimados amigos, acaba de “abrir” Desubicada, una sala de arte universitario. Universitario no porque su contenido sea especialmente “sesudo” sino porque aspira a ser regentada por alumnos de todos los ciclos, licenciadas y egresados en Bellas Artes. Será su propia trayectoria la que defina qué cosa es eso del “arte universitario” que, en todo caso, es un arte que, por académico, no goza de los privilegios del mercado y de las industrias del espectáculo pero tampoco goza del prestigio de lo “contrahegemónico” y antiinstitucional. Para asegurar que esa trayectoria es ciertamente propia, es decir, goza de absoluta autonomía (dentro del carácter “asambleario” del proyecto), Desubicada no tiene espacio físico, organizará sus exposiciones allí donde considere pertinente: en una aula de la facultad, en sus sótanos, en los huecos de la escalera, en una sala institucional, en la red, en una casa ocupada, en Merkatenerife, en varios puntos simultáneamente, en todos los sitios anteriores o en ninguno. Cada proyecto incluirá su propio formato y espacio expositivo. Eso sí, cada proyecto, en un espacio real o virtual, tendrá inauguración, catálogo y página web. No obstante, cada proyecto seguirá pudiendo incorporar obra una vez inaugurado e incluso clausurado. Esto es así porque el proyecto se difundirá en la red, lo que permite mantenerlo activo el tiempo necesario, a modo de comisariado virtual capaz de crecer en todo momento. Ese comisariado puede incluir obras “expuestas” en lugares alejados físicamente pero cercanos conceptualmente, incorporar gente que esté fuera, alumnos o profesoras de otras facultades, artistas conocidos y, sobre todo, artistas por conocer.

Una vez consolidada, el objetivo de Desubicada es tejer una red de colaboración con iniciativas similares que permita “itinerar” los proyectos, bien porque se puedan enviar en una caja de correos, porque se puedan mandar digitalmente e imprimir, ejecutar o proyectar en otro lugar o porque se puedan exponer físicamente en un sitio y ubicar virtualmente en otro. A medio plazo, Desubicada podría recuperar virtualmente la malograda iniciativa de Ikas-Art sin necesidad de mover cada Stand de su propia casa. Porque evidentemente, Desubicada no tiene presupuesto (aunque cuenta con cierta infraestructura material y la esperanza de incorporar un impagable equipo humano).

Los objetivos de Desubicada son:

– poner en marcha una sala de arte universitario (no solo una sala universitaria de arte), no como contenedor físico sino como espacio para el desarrollo, la promoción y el conocimiento de la actividad artística avanzada.
– dinamizar la vida académica y sociocultural.
– introducir los y las jóvenes artistas en el campo de la curaduría y de la gestación y gestión integral de iniciativas culturales avanzadas y colaborativas y proyectos profesionales.
– fomentar el trabajo en equipo, ejercitar la iniciativa y la responsabilidad profesional.
– generar dinámicas y herramientas editoriales para el desarrollo y difusión de las actividades culturales universitarias.
– generar plataformas digitales para el desarrollo y difusión en red de estas actividades.
– establecer relaciones académicas interuniversitarias y profesionales extrauniversitarias.
– crear una red de sensibilidades afines.
– ayudar a definir la categoría ‘arte universitario’.

Si quieres desarrollar algún asunto de naturaleza artística y te apetece contar con colaboradores o realizar un encargo susceptible de convertirse en un ejercicio académico; si eres profesora y te apetece integrar o compartir alguna propuesta; si te apetece comisariar una expo sobre un tema de tu interés; si te apetece exponer tu obra; o si simplemente te apetece colaborar (montando, produciendo, pensando, fotografiando, alimentando la web, maquetando, escribiendo…), ponte en contacto con Desubicada para formar parte de su equipo o plantear tus propuestas.

De momento, empezamos con esta primera convocatoria.

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Proyecta’16 (con Nicolas Bourriaud) + Open Studio

Proyecta

El lunes 11 de enero de 2016 tuvo lugar en la sala de exposiciones de la sección de Bellas Artes de la Facultad de Arte y Humanidades de la ULL la séptima edición de Proyecta.Arte. En esta ocasión, junto a varios profesionales de la producción y gestión artística (entre los que, este año, se encontraban Ludger Pfanz -Karlsruhe University of Art and Design- y Timo Heinänen -Aalto University de Helsinki-), tuvimos el honor de contar, gracias al proyecto Denkbilder, con la destacada presencia de Nicolas Bourriaud.

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Las muestras virtuales corrieron en esta ocasión a cargo de Alejandro Castañeda, Federico García Trujillo, Laura Gherardi, Beatriz Lecuona y Óscar Hernández y Claudia Torres.

Paralelamente se pudieron contemplar in situ obras de Margarita Suárez, Estefanía Martínez Bruna, Mila Garsós (que nos obsequió además con una de sus instalaciones interactivas), Alfons Simó, Lali Arteaga, Laura Gherardi, Cristina Gámez, Romina Rivero, Isabel laso, Bea Padrón e Israel Reyes y Pedro.

Acto seguido se inauguró en el espacio [1.04] la segunda edición de la exposición Tapas de sentido.

Simultáneamente, Manolo Cruz, que con la estrecha colaboración de Adrián Alemán fue el cerebro y el pulmón del evento, realizaba su mítica “Paella Relacional” -en honor en este caso del gran promotor del concepto-, que pudimos degustar mientras escuchábamos el concierto de Calle Malcontento y José Arbelo, asistidos en la técnica por Berna Acosta. Quiero agradecerles a todos ellos la generosa y desinteresada entrega, que nos proporcionó una velada inolvidable.

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¿Qué y por qué es la investigación artística?

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El arte, al menos el arte académico, es decir, el arte que concita el interés de la teoría, ha alcanzado niveles de complejidad que hacen difícil su determinación. Cualquier cosa o acontecimiento puede hoy ser considerado arte con la única condición de que efectivamente sea considerado arte. De ahí que la vieja inquietud ontológica por saber “qué es arte” haya derivado hacia la duda más pragmática sobre “¿cuándo es arte?”, es decir, qué hace el arte para justificar que algo que no es esencialmente diferente a cualquier otra cosa adquiera, en determinadas circunstancias, la condición de artístico.
La poca disposición a definir el arte es proporcional a la poca disposición del arte a dejarse definir pero, al menos en el ámbito académico, parece necesario realizar un esfuerzo por tratar de entender qué características debería tener el tipo de trabajo (¿de investigación?) que se plantea desde la práctica artística o, al menos, desde ese tipo de prácticas a las que, en el ámbito de la enseñanza artística, estamos dispuestos a atribuirles la consideración de artísticas.

Miércoles 9 de diciembre

10.00 Ramón Salas, ULL. ¿Tiene sentido hablar de “arte universitario”?
11.00 Josu Larrañaga, UCM. Investigar multiplicidades. El arte visto desde su práctica.
12.00 Encuentro con Adrián Alemán y Ramiro Carrillo.

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Josu LARRAÑAGA ALTUNA es artista plástico y Catedrático de Pintura de la UCM. Dirige el Grupo de Investigación Prácticas artísticas y formas de conocimiento contemporáneo (UCM-970588). Ha sido IP del Proyecto I+D “Arte y Política: Argentina, Brasil, Chile y España: 1989-2008”, HUM2005-03465/ARTE. Es miembro del Proyecto I+D “Imágenes del Arte y reescritura de las narrativas en la cultura visual global”, MICINN HAR2009-10768.
Ha realizado numerosas exposiciones, instalaciones e intervenciones artísticas. Las más recientes: Under control, still-life, en Red House, Kislav Building, Newark- N. Y. noviembre 2009. Pensamiento natural, Galería Manuel Amador, Ciudad de Panamá, 2008. Memoria de memoria, Centro Cultural Montehermoso, Vitoria-Gasteiz, 2007. Dispositivo de seguridad, Jardín Botánico UCM, Madrid, 2007.
Además de artículos, catálogos, capítulos de libro y actas de congresos, ha publicado, entre otros, los siguientes libros y monografías: Arte y política (ed.), Madrid, E. Complutense, 2010. Las imágenes del arte, todavía, Cuenca, Diputación provincial, 2007. Instalaciones, Hodarríbia (Guipúzcoa), Ed. Nerea, 2001 y 2006. Entre nubes de polvo. Poéticas del presente. Cuenca, Diputación provincial, 2005. Objeto representado- Objeto presentado. Madrid, Ed. Complutense, 2003. La distancia y la huella. Para una antropología de la mirada. Cuenca, Diputación Provincial, 2001.