Si algo caracteriza al arte moderno es su autonomía. Durante siglos, el arte permaneció al servicio de las oligarquías, civiles o religiosas, generando el aparato simbólico que legitimaba culturalmente su situación de privilegio. Las revoluciones burguesas liberaron la creación artística de sus tradicionales comitentes y sus obligaciones funcionales. La estética cifró el valor del arte precisamente en su inutilidad, capaz de contrabalancear no solo la racionalidad de los fines sino la norma burguesa del (buen) gusto. Este paradigma estético se mantuvo vigente al menos hasta mediados de los años 60 del pasado siglo, momento en que la posmodernidad puso en evidencia las connivencias de esta autonomía estética con el reparto burgués de las sensibilidades, que mantenía la supuesta radicalidad artística separada de la esfera pública en la que podía resultar realmente inquietante. El arte apostó entonces por recuperar su perdida heteronomía y poner sus energías al servicio de la transformación efectiva del mundo de la vida. Pero este bienintencionado proyecto de recuperar el sentido histórico del arte nos hace pensar -en una época en la que el capitalismo de la experiencia y sus industrias cognitivas han invadido no solo la dimensión productiva de la vida sino también la reproductiva- en la necesidad de volver a reivindicar determinados modos de autonomía.

Programa:

Viernes 17 de marzo, 15.30 – 17.30 h.  [BB.AA. 1.04]

Una introducción al proyecto de autonomía modal de Jordi Claramonte. Ramón Salas (ULL).

Sábado 18 de marzo [Las suertes. C/ San Antonio, 11, Icod]

12.00 h. Arte y autonomía en la era del capitalismo invasivo.

Presenta, introduce y modera: Elsa Mateu (ULL).
Participan: Jordi Claramonte, Ramón Salas, Manolo Cruz (ULL), Adrián Alemán (ULL).

14.00 h. Paella relacional. Manolo Cruz.

Lunes 20 de marzo, 15.30 – 17.30 h.  [BB.AA. 1.04]

Estética modal. Jordi Claramonte (UNED).

Jordi Claramonte Arrufat, tras licenciarse en Filosofía en la UNED, ha estado investigando en varias universidades españolas (Valencia, Complutense y Autónoma) y trabajando e investigando en instituciones como el MIT, la universidad de Yale o la NYU de Nueva York.
Doctorado por la UNED con una tesis sobre el concepto de autonomía, ha combinado su trabajo como investigador en el área de la Estética y la Teoría de las Artes con frecuentes incursiones en el terreno del arte más contextualizado en términos sociales y políticos, dinamizando iniciativas míticas como La Fiambrera Obrera, SCCPP.org (sabotaje contra el capital pasándoselo pipa) o el Centro Social Autogestionado La Tabacalera de Madrid.
Ha coeditado Modos de Hacer: Arte político, esfera pública y acción directa (Universidad de Salamanca, 2001), o Ciberactivismo (Virus, 2005); y traducido y editado textos fundamentales como Estética Relacional de Michel Bourriaud (Paidós, 2006), El asalto a la cultura (Virus, 2002) y el Manual de la Guerrilla de la comunicación (Virus, 2000), ambos de Stewart Home o Arte como experiencia de John Dewey (Paidós, 2008).
En el 2009 publicó en el CENDEAC Lo que puede un cuerpo. Ensayos de estética modal, pornografía y militarismo; en 2010, en Nerea, Arte de Contexto, un ensayo crítico sobre las prácticas de arte político. También en 2010 y en el Cendeac, La República de los Fines, libro donde da un repaso a fondo a la noción de autonomía, desde la Ilustración hasta nuestros días. En 2015 publicó en Papel de Fumar Desacoplados; y en 2016, en Tecnos, Estética Modal, el libro que justifica este seminario.

No solo para ilustradores, también para artistas, los programas de dibujo vectorial se han convertido en herramientas fundamentales para la creación y la difusión de su trabajo. Adobe Illustrator es un programa de sencillo manejo que ofrece sin embargo múltiples utilidades, no solo a la hora de crear nuevas imágenes sino para alterar las ya existentes, lo que le convierte en un instrumento indispensable para las prácticas de Culture Jamming.

En este taller se aprenderán los fundamentos del dibujo vectorial. Está dirigido a cualquier interesado en la creación y manipulación de elementos gráficos, preferentemente artistas, alumnos y profesores de Bellas Artes.

15, 16 y 22 de diciembre de 2016, de 15.30 a 18.30 h.
Aula 0.07, sección de Bellas Artes, ULL

Número máximo de asistentes: 15
Inscripción: rsalas@ull.es

Tanto para artistas como para académicos, las herramientas de difusión de los resultados de la investigación son cada día más necesarias y, al mismo tiempo, más exigentes, más competitivas. Afortunadamente, la red y las herramientas digitales brindan un mundo de posibilidades autogestionadas para abordar la labor de difusión editorial de nuestros trabajos. En este taller se aprenderán los fundamento de la maquetación y edición digital de publicaciones artísticas y científicas.

Está dirigido a cualquier interesado en la difusión digital de los resultados de su trabajo o investigación mediante publicaciones digitales, especialmente artistas, alumnos y profesores universitarios.

22, 23 y 27 de junio, de 11.00 a 13.00 h.
Aula 0.07, sección de Bellas Artes, ULL

Número máximo de asistentes: 15
Inscripción: rsalas@ull.es

Contenidos:

Introducción a los programas de maquetación digital. Protocolos básicos y entornos de trabajo.
Búsqueda de modelos y fuentes.
Creación de documentos, paginado y reticulación. Principios básicos del diseño.
Colocación y formato de texto.
Colocación y formato de imagen.
Multimedia y enlaces.
Interacciones entre imagen y texto. Cajas y objetos.
Retoque fotográfico y lotes.
Perfiles, empaquetado y formatos de salida.
Licencias y gestores de contenido.

10 h. (1 ECTS)

El arte, al menos el arte académico, es decir, el arte que concita el interés de la teoría, ha alcanzado niveles de complejidad que hacen difícil su determinación. Cualquier cosa o acontecimiento puede hoy ser considerado arte con la única condición de que efectivamente sea considerado arte. De ahí que la vieja inquietud ontológica por saber “qué es arte” haya derivado hacia la duda más pragmática sobre “¿cuándo es arte?”, es decir, qué hace el arte para justificar que algo que no es esencialmente diferente a cualquier otra cosa adquiera, en determinadas circunstancias, la condición de artístico.
¿En qué medida determinan la condición de “artístico” las circunstancias concretas que plantea la universidad (especialmente en su fase doctoral)?, ¿determinarían esas circunstancias una condición universitaria del arte?
La poca disposición a definir el arte es proporcional a la poca disposición del arte a dejarse definir pero, al menos en el ámbito académico, parece necesario realizar un esfuerzo por tratar de entender qué características debería tener el tipo de trabajo (de investigación) que se plantea desde la práctica artística o, al menos, desde ese tipo de prácticas a las que, en el ámbito de la enseñanza artística, estamos dispuestos a otorgarles la consideración de artísticas.

Aula 1.04, sección de Bellas Artes, ULL
Número máximo de asistentes: 15
Inscripción: rsalas@ull.es

Lunes 20 de junio 15.30 – 18.00 h.
Ramón Salas. Cartografías I.

(propondremos un mapa general del contexto de posibilidad en el que consideramos que cabe hoy plantear un trabajo de investigación artística).

Martes 21 de junio 15.30 – 18.00 h.
Ramón Salas. Cartografías II.

(continuaremos el trabajo planteado y daremos un breve repaso por las revistas de arte mejor indexadas.

Miércoles 22 de junio 15.30 – 18.00 h.
Adrián Alemán. Marcos.

(propondremos y ejemplificaremos modos concretos de encajar la investigación artística en marcos conceptuales y metodológicos).

Jueves 23 de junio. 15.30 – 18.00 h.
José Díaz Cuyás. Modelos.

(propondremos y ejemplificaremos modos de dar académicamente forma de tesis a nuestra investigación artística)

Metodología: hora y media de docencia frontal (15.30 – 17.00 h.) seguida de un seminario en el que se discutirán los contenidos previamente expuestos.
Mecánica de evaluación: control de asistencia y evaluación continua de la participación activa en los seminarios. Se demandará del alumnado la discusión razonada de los paradigmas propuestos desde sus propios presupuestos teóricos.

Se suele pensar el arte en términos absolutos (un buen cuadro, un artista genial… en todos los tiempos, para todas las culturas). Pero en arte todo es relativo (lo cual, por cierto, no tiene nada que ver con el célebre “para gustos se hicieron los colores”), básicamente porque el arte no es más que un sistema de referencias. El significado de las obras tiene tanto que ver con su contenido como con la posición relativa que ocupan respecto a otras formas posibles de enfocar y encarar la práctica artística. Es imposible hacer arte sin definir una ubicación significativa respecto a este sistema de referencias, y, en consecuencia, entender el arte actual exige conocer tanto sus planteamientos y objetivos como aquellos otros que trata de superar o matizar.

Resulta imposible analizar en seis horas el conjunto de los referentes que definen el espacio de posibilidad de la creación artística actual, pero sí podemos dibujar a grandes rasgos la cartografía general en la que estos se ponen en relación. Luego corresponderá a cada quién definir las rutas posibles, a escala 1:1, pero sí creo posible proponer un esquema a gran escala que nos permita anticipar el sentido de esas derivas. O, al menos, merece la pena intentarlo.

En este seminario, y en torno a la dialéctica clásica entre el modernismo y la postmodernidad, trataremos de definir los grandes modos de encarar el hecho artístico –eso que hoy llamamos regímenes escópicos-, desde la ontología premoderna a la biopolítica visual pasando por los grandes hitos que jalonan el territorio intermedio: el modernismo según Greenberg, el modernismo según Baudelaire y su reinterpretación benjaminiana, la crisis postmoderna de la institución arte, la cultura del espectáculo, el paso de Duchamp ‘a la clandestinidad’, Broodthaers y las criticas institucionales…

Centro de Arte La Regenta, Las Palmas de Gran Canaria.

Martes 14 de junio. De 17.00 a 20.00 h.
La zona centro.
La dialéctica modernismo – posmodernidad: de la autonomía del arte al arte contextual.

Miércoles 15 de junio. De 17.00 a 20.00 h.
La periferia.
Más allá del planteamiento bipolar: del arte como síntoma al arte como proposición.

Tanto para artistas como para académicos, las herramientas de difusión de los resultados de la investigación son cada día más necesarias y, al mismo tiempo, más exigentes, más competitivas. Afortunadamente, la red y las herramientas digitales brindan un mundo de posibilidades autogestionadas para abordar la labor de difusión editorial de nuestros trabajos. En este taller se aprenderán los fundamento de la maquetación y edición digital de publicaciones artísticas y científicas.

Está dirigido a cualquier interesado en la difusión digital de los resultados de su trabajo o investigación mediante publicaciones digitales, especialmente artistas, alumnos y profesores universitarios.

23, 24 y 27 de junio, de 11.00 a 13.00 h.
Aula 0.07, sección de Bellas Artes, ULL

Número máximo de asistentes: 15
Inscripción: rsalas@ull.es

Contenidos:

Introducción a los programas de maquetación digital. Protocolos básicos y entornos de trabajo.
Búsqueda de modelos y fuentes.
Creación de documentos, paginado y reticulación. Principios básicos del diseño.
Colocación y formato de texto.
Colocación y formato de imagen.
Multimedia y enlaces.
Interacciones entre imagen y texto. Cajas y objetos.
Retoque fotográfico y lotes.
Perfiles, empaquetado y formatos de salida.
Licencias y gestores de contenido.